Emilia Sibolich es una de las artistas plásticas jóvenes más singulares de Luján (ilustradora, ceramista, diseñadora, pintora). Por ese motivo, la han invitado a participar de diversas muestras colectivas. Además de la reflexión sobre sus pinturas, esta nota consigna una obra hecha por mes, desde enero hasta julio del 2024.
Esas obras corresponden solo a uno de tres proyectos que tiene en curso: «Unidas y organizadas». En ella, habita una desafección aparente potenciada por planos rebatidos y una paleta desaturada y fría, más cierta idea de femineidad atravesada por el placer y el dolor. Queda al criterio del lector definir si esto es, como ella afirma, producir de forma «lenta» o no, en especial, si se relaciona cada imagen con su calidad.
—¿Cómo son tu forma de trabajar y tu proceso creativo?
—En mi proceso hay una parte de investigación y bajar a bocetos las ideas. Muchas veces el boceto queda definitivo y otras veces son disparadores que después toman otro rumbo. Cuando paso a la pintura, suelo detenerme a observar e ir sumando o quitando elementos, me dejo un poco llevar por la intuición compositiva y lo que siento que la pintura me pide. Pinto a un ritmo lento, de manera bastante reflexiva, no me gusta apurar las pinturas. Como se dice, voy sin prisa, pero sin pausa.
—¿Cómo empezaste a pintar?
—De chica siempre tenía materiales y libritos para pintar, me encantaban. Después me alejé de eso, pero sabía que quería hacer algo vinculado al arte, ya sea con diseño gráfico, ilustración, cerámica o bordado. Incluso en una etapa estuve tatuando. Siempre elegí cosas vinculadas con la creatividad. Creo que, mediante la ilustración, me volví a acercar a la pintura, con las témperas. Empecé queriendo mejorar la técnica y terminé full metida practicando retratos. Y ahí me uní a la pintura. A tomar la práctica pictórica como un camino que quería seguir de manera formal, por así decirlo, y a construir un pensamiento entorno a eso y ver a mis pinturas como obras a fines de 2020, no hace tanto. Hice Diseño Gráfico y me cambié a un profesorado de Artes, pero, la verdad, que me aburría un poco, así que no lo terminé. Después me formé unos años en el taller de una artista contemporánea de Buenos Aires.
—¿Marina Daiez es la artista que dio el taller?
—Exacto. Ella me abrió mucho la cabeza y me mostró un montón de artistas que yo no conocía y muchxs artistas contemporáneos que, en las instituciones formales, no te suelen acercar. Y con ella pude aprender que hay diversos gestos del pincel, que las posibilidades de la pintura son infinitas y que no hay una manera correcta de representar un objeto o una persona o un lugar.
—¿Cuál es el “camino” y qué “pensamiento”, según tus palabras, te guían en el proceso creativo?
—No lo sé muy bien, pero creo tiene que ver con elegir darle un espacio importante en mi vida a la práctica pictórica y llevarla adelante de una manera más consciente, dejando atrás la visión de que pintar es un hobby o algo que me gusta hacer y ya. Tiene que ver con “tomarlo en serio” por así decirlo. Y eso involucra más tiempo dedicado, más investigación, más intercambio con colegas.
—¿Parás en algún momento o experimentás el arte como un trabajo 24/7?
—Yo tengo un interruptor que prendo y apago al momento de trabajar en mis pinturas. Obvio que a veces se me cruzan reflexiones de repente y anoto cosas, pero no estoy 24/7 metida en eso.
—Decís que pintás a un ritmo lento y considerás que hace poco que te dedicás de lleno a la pintura, sin embargo, se nota cómo ha ido variando tu obra. Por ejemplo, cuando empezaste, pintabas con témpera y, al año, te pasaste al óleo en búsqueda de una pintura más dúctil. Retrospectivamente, ¿cómo ves esta evolución?
—Mis pinturas son mi manera de ver y de habitar el mundo. Hay una dualidad constante de dolor y de belleza, de soledad y de compañía, de hostilidad y de suavidad, atravesado por el punto de vista de una femineidad. Hay una búsqueda de belleza y suavidad incluso en las situaciones más tortuosas. Mis pinturas son muy narrativas, me gusta que haya un relato y que cada una tenga un cuento en sí misma. La paleta que uso es de colores fríos, desaturados y con luminosidad. Es una paleta que adhiere muy bien al clima que quiero transmitir.
—En cuanto a narratividad y síntesis, ¿cómo lográs un equilibrio?
—Crear imágenes tiene su parte de buscar simbolismos. Creo que ahí se genera esa síntesis, mediante lo simbólico.
—¿Qué buscás compositivamente?
—Busco que la composición tenga puntos de tensión, que tenga ritmo, que haya foco en ciertas partes de la imagen. Uso mucho la perspectiva rebatida, es bastante clave en mis composiciones. Y también que haya espacios de silencio donde el ojo pueda reposar.
—¿Podrías profundizar en eso de “ver y habitar el mundo” a través del arte?
—Quiero decir que en mis pinturas se refleja mi perspectiva, al menos de esta etapa, sobre mi visión del mundo y de la vida. Con esta dualidad que comentaba sobre dolor y belleza, soledad y compañía. La trama de mis pinturas está unida por esa visión.
—Proceso creativo, composición, paleta, simbolismo… ¿y el dibujo? ¿Qué importancia le das?
—Diría que ni mucha ni poca. No me considero dibujante ni sé dibujar tan bien, pero es la primera herramienta al momento de bajar una idea. Creo que, durante el último tiempo, le di más lugar, es decir, me propuse que los bocetos estén un poco más elaborados desde el dibujo para después no tener que estar modificando tanto sobre la pintura.
—¿Qué desafíos estéticos estás enfrentando hoy?
—Actualmente estoy haciendo un Programa de Artistas en el que analizamos nuestras obras y creamos proyectos expositivos. Estoy enfocada en sostener la práctica y confiar en poder exponer individualmente, tal vez, el año que viene.
—¿Qué nos podés contar del programa?
—El Programa de Artistas está coordinado por Verónica Gómez. Ella es una artista que yo admiro un montón. Es algo así como una clínica de obra, no es un espacio de taller, sino que es un lugar para mostrar en qué estás laburando y hacer un análisis de eso para seguir profundizando y e ir abriendo preguntas.
