Desde chica, el dibujo fue una forma de estar en el mundo. De adolescente, sus amigos la impulsaron a mostrar sus obras, y así comenzaron las primeras exposiciones. Más tarde llegaron la filosofía, la Escuela Manuel Belgrano, los talleres, y con ellos una pasión por enseñar y construir desde lo colectivo.
Para Simona Provenzano, artista visual oriunda de Luján, el arte es tanto una herramienta de introspección como una forma de conectar con otres. En esta entrevista, cuenta sobre su recorrido artístico, su rol de tallerista y su mirada actual del arte.
―¿Cómo fueron tus primeros acercamientos al arte?
―Siempre me gustó mucho dibujar, me pasaba todo el día haciéndolo. Al principio me daba mucha vergüenza exponer, porque sentía que mis creaciones eran muy personales o tenían que ver con momentos de reflexión propios. De adolescente invitaba a mis amigos a mi casa que aún hoy está repleta de dibujos. Cuando los veían siempre me decían que tenía que animarme a mostrarlos, y así empecé, mis primeras expos fueron cuando tenía 16 o 17 años. Una vez que me recibí del secundario comencé la la carrera de filosofía, y junto a ella a hacer varios talleres (de pintura, dibujo, escultura) me enamoré de esos espacio y me propuse estudiar artes visuales, y así fue. Me egresé en la ESEA Manuel Belgrano, en el barrio de Barracas.
―¿Qué significa para vos habitar el arte desde lo colectivo?
―Me gusta pensar en la idea de salir de la pantalla, escuchar las devoluciones de los espectadores, hacer algo que sorprenda, divierta, movilice al otro.
―¿Qué lugar ocupan los talleres en tu vida?
―En todo mi recorrido artístico siempre hubo un taller que me acompañó. De chica fui a talleres de pintura y escultura, continúe durante la adolescencia y después de más grande empecé con talleres de modelo vivo. Es interesante ver lo que surge ahí, conocer las distintas visiones de los profes, escuchar charlas de señoras (casi siempre compartí taller con personas bastante más grandes que yo) observar lo que hicieron los demás, ir caminando por el taller y ver como cada uno pintó de una forma distinta a la modelo (por el ángulo o la el estilo), hablar con la modelo sobre lo que estudia y qué radio escucha. Ahora yo doy los talleres, son destinados a niños y me encanta. Siento que me da la oportunidad de enseñar todo lo que aprendí pero también de jugar y poder generar un espacio para crear y sumergirse en historias. También me hace volver a cuando era chica y puedo ayudar con cosas que a mi me hubiera gustado hacer en ese momento.
―¿Qué te interesa explorar o transmitir a través del mismo?
―En mi taller me interesa fomentar la imaginación, conocer lo que los chicos traen y hacer algo con eso, ayudarlos a llevar a cabo ideas pero también mostrarles nuevas técnicas y materiales. Me gusta crear junto a ellos y ver sus procesos y su crecimiento. Cómo aprenden a incorporar nuevos elementos y también verlos cambiar de intereses y gustos e intentar adaptarme a eso para dar nuevas propuestas. El taller está siempre en movimiento.
―¿Qué temas atraviesan tus obras y cómo los elegís?
―Me gusta el retrato, me es más fácil transmitir emociones en ellos desde los gestos y expresiones. Me gusta dibujar personas que conozco y algunas que me llaman la atención por algún motivo, también me gusta pintar escenas y recuerdos.
―¿Cómo fue la experiencia de participar en exposiciones como en el Fogon’t —evento artístico en el bar Flama organizado por Cuidado Un Indie Suelto, programa de la Radio Publica de Luján—, y compartir tu trabajo con otras personas?
―Me encantó ser parte de la edición del Fogon’t , fue una fecha donde me sentí muy cómoda con el espacio que me brindaron, siendo que casi siempre a los artistas visuales solo le dan una pared y que se arreglen. Los organizadores me ofrecieron ayuda para llevar acabo mi idea y eso es algo que no pasa casi nunca, por eso también quise hacer algo especial para la ocasión y jugar con la idea de los «indies» que son personas medio de nicho. Pensé en una escena nocturna con dos amigos encerrados en una habitación llena de posters, escuchando música, mirando videos viejos de MTV, una mesa con libros y puchos armados. Pensé en Breavis y Butt-head sentados en su sillón, y así surgió la idea.
―¿Qué rol crees que tiene el arte hoy en los territorios que habitamos?
―Tengo una mirada bastante pesimista del arte hoy. Pienso en todas las imágenes generadas con IA y creo que se pierde bastante la sensibilidad, la originalidad, además claro del oficio del artista. Me deprimen las impresora 3D, y todas las estatuitas mal acabadas que surgen de ella. Entiendo al «arte digital» más como parte del diseño gráfico que como una obra artística en sí. La sensibilidad del espectador se banaliza al estar bombardeado todo el tiempo con imágenes donde solo se busca la belleza, lo estéticamente lindo en lugar de un mensaje más complejo. De hecho casi ni veo mensajes, todo está dado y si lo hay es muy explícito, no deja mucho que analizar.
―¿Qué proyectos colectivos te inspiran o formas parte actualmente?
―Donde más encuentro la inspiración es al visitar museos, ir al cine o al teatro. Me inspira la movilización de los autores, las ganas de dar a conocer un mensaje, un pensamiento, un observación cotidiana con un lenguaje artístico de por medio. Entre tanta inteligencia artificial ver obras hechas por personas, entender la forma poéticas que los conmueve, me hace sentir ganas de crear.
―¿Qué te gustaría seguir construyendo desde tu hacer artístico?
―Me gustaría indagar más en en las instalaciones, creo que es algo que no se ve mucho y me interesa el efecto de esa «corporalidad» en los espectadores.
Entre talleres, retratos y escenas cargadas de intimidad, su obra sigue en movimiento. Con ganas de seguir indagando y creando desde lo colectivo, busca habitar el arte como un espacio de juego, sensibilidad y encuentro.
Aguante la sensibilidad de Simona