El Museo de Arte Fernán Félix de Amador inauguró el pasado 3 de febrero Callejón de Arte, la muestra con una selección de obras pertenecientes al patrimonio de la institución, premiadas en los salones competitivos.
Se trata de veinticuatro pinturas pertenecientes a distintos años del cuarto de siglo actual, creadas por quince artistas, cinco locales y diez argentinos no lujanenses.
Restos
Quizá el título de Dinzelbacher, “Arqueología del mañana III”, sea elocuente en relación con la posibilidad de identificar un punto de convergencia en el conjunto: tomar el hoy para poner en tela de juicio el mañana.
A contramano de los exabruptos de pensadores afines a la internalización de la idea de “progreso”, como lo hizo Fukuyama al postular “el fin de la historia”, a partir de esta serie de pinturas, hallamos una historización de nuestro presente, que resulta cuestionado en su devenir, para poder explicarlo y, acaso, habilitar una tregua para actuar sobre él. Un gesto político, dicho en tres palabras.
De alguna manera, la muestra refuta la ironía de unos versos de Shakespeare en el Acto primero de Macbeth: “Quien puede mirar dentro de las semillas del tiempo y decir los granos que germinarán, y los que no”. Acá pareciera que el foco está puesto en retratar las semillas que no germinaron y las que sí, pero dieron frutos envenenados.
Encontramos ecos del filósofo posmarxista Frederic Jameson. En su libro Arqueología del futuro (no es accidental la resonancia en el título de Dinzelbacher), Jameson procura activar la capacidad de escapar del presentismo posmoderno, que demerita o borra el pasado y niega toda posibilidad de futuro, una pretensión tangible en la exposición.
En esta dirección, viene a cuento la palabra “resto”, que acarrea consigo una pluralidad de sentidos, lo cual se vuelve aún más ostensible cuando advertimos su cercanía con otras voces: la inglesa rest, to rest, que significa “descansar”, y la francesa rester, que significa “quedarse”, “permanecer”.
“Resto”, en efecto, es lo que queda, lo que se queda o lo que querríamos que se quedara, que descansara en el lugar donde lo dejamos, de donde no quisiéramos que se moviera y, tal vez, regrese a nosotros, sobre nosotros. Los restos no restan. No descansan. Los restos se definen por ese no restar: son lo que insiste, lo que persevera, lo que vuelve.
La idea de “resto”, a su vez, se conecta con el campo semántico y político-urbano de la basura: se instituyen, de forma legal o ilegal, espacios destinados a la acumulación de desperdicios, como basurales a cielo abierto, y se traza una frontera entre lo “limpio” y lo “sucio”, lo “sano” y lo “enfermo”, aunque las fronteras son porosas, incluso las que se levantan entre la riqueza y la pobreza, como lo tematiza también Dinzelbacher en la obra «Contraste».
Además, el resto, como indica el título de la obra de Martín Szelagowki, “Destino final”, se vincula con el principio de obsolescencia programada, lo que se acumula como mugre, es decir, lo que queda detrás del presunto avance de la civilización (en el cuadro, autos, como cuerpos muertos, apilados uno sobre otro).
Aquello es particularmente notorio en dos direcciones: por un lado, en la temática de los cuadros colgados y, por el otro, en lo que respecta al tratamiento formal, en particular, a través de la técnica mixta, que apunta, en estos casos, a la superposición de capas, como si hubiera algo que se sustrae a la visión, y los artistas se empeñan en señalar.
Justamente, otra cualidad del “resto” es la de definirse siempre en relación con algo que no está. Por ejemplo, en “Tocata”, de Emilio Reat, emerge una imagen de una pelopincho con flotadores, con un encuadre y un tratamiento siniestros, en el sentido freudiano (unheimlich): la imagen inquietante remite a la presencia-ausencia humana, fenómeno que podemos observar en la mayoría de las pinturas colgadas.
Restos, también, de influencias y de tradiciones muy claras, que son reinterpretadas: Berni, Quinquela, hasta Distéfanis y Menza y, por qué no, Hueso (esto se conecta directamente con lo que vimos en el último salón).
En conclusión, las obras seleccionadas habilitan, con justicia, una lectura de conjunto a partir del concepto de “resto”. Fundamentalmente, queda en claro que el registro realista ya no tiene cabida, y con su caducidad estética, mirando los cuadros sentados en uno de los bancos del Museo, notamos que se tornan absurdas las promesas de progreso ininterrumpido, de estado de bienestar y de globalización como fenómeno que habría de haber hecho sonar todas las campanas y superar cualquier índice de bonanza. Más bien al revés: los afanes civilizatorios occidentalizantes nos condujeron a un callejón sin salida. Ahora estamos parados sobre los residuos de una construcción de una realidad obsoleta. ¿Qué vamos a hacer?
La muestra se puede visitar hasta el 16 de febrero, de lunes a viernes entre las 9 a las 15, y sábados y domingos entre las 10 y las 16 en el Museo de Bellas Artes, 9 de Julio 863.
Callejón de Arte está compuesta por obras de artistas locales: Mara Turco (“Durante”); Mónica Rojas (“Circunvalaciones del olvido”); María Alejandra Garay Compi (“El mundo infinito de Brian”; “Parada en el graffiti”); Leticia Miglioranza (“Chau, no va más”); Francisco Zucchi (“Centello fugaz”).
Y por las obras de artistas argentinos y argentinas no locales como Hugo Dinzelbacher (“Arqueología del mañana III”; “Contraste urbano”); Miguel Ángel Cabezas (“Rivera Grande”; “Trulalá”; “Autopista”); Antonio Castellano Ortega (“La patineta”, “La oreja”; “Balada para un loco”; “Motorman”; “Corazones”); Gabriel Álvarez (“Milonga de tachos y bondis”); Inés Vega (“El vampiro de Nueva York”); Martín Szelagowki (“Destino final”); Emilio Reat (“Tocata”); Juan Pablo Ribot (“Trágica puesta del sol”; Milo Lockett (“Disculpen las molestias”); Rubén Sassano (“Llovizna de otoño”); Martín Riwnys (“To be or not to be? Is that the question?”).
