«Poeta, no cantes a la rosa, ¡hacela florecer en el poema!»
Vicente Huidobro
El dibujo es técnica; pero también es, ante todo, un lenguaje capaz de sintetizar un pensamiento. Con esta premisa, Mauricio Nizzero llegó el sábado 11 de abril a la Biblioteca Popular Obrera Jean Jaurés para proponer un conversatorio que escapó de lo académico y se metió de lleno en la cocina del oficio. La actividad, organizada por Luján Arte, incluyó la proyección de 150 obras de distintos referentes nacionales y exposición de trabajos del artista.
La línea como pensamiento
Nizzero habló sobre los elementos que estructuran un dibujo: la línea continua, la línea abierta, los planos, el trazo, las direcciones, las curvas, las contracurvas, las diagonales, la mancha, el ritmo, la tensión… y la impronta sensible. Para el artista, la historia del dibujo en Argentina constituye un abanico de posibilidades que merece ser revisado y reconocido.
«La línea nos va diciendo en su recorrido, nos describe una imagen, sea abstracta o figurativa. En definitiva, es capaz de sintetizar una idea, un pensamiento, pero también la sensibilidad de una mirada», explicó.
El conversatorio buscó acercar al público a los aspectos menos visibles del proceso creativo: «Me interesa hablar de materiales y técnicas, de lo que tiene que ver con la cocina del dibujo… contar sobre las direcciones, la estructura y los puntos de tensión que contiene una imagen».
El clima de época y el discurso de la imagen
Para Nizzero, los dibujantes argentinos no solo dominan los elementos plásticos, sino que también funcionan como cronistas de su tiempo. La imagen, en ese sentido, refleja un clima de época, una idea que atraviesa su propia producción.
«Mi trabajo plantea una visión urbana, una mirada sobre el hombre contemporáneo. Hoy se están produciendo cambios en las conductas y en la forma de manifestar lo personal, especialmente en relación con la imagen clásica del varón. Hablar de nuevas masculinidades implica proponer una imagen acorde a estos tiempos: un hombre más sensible, más en comunión con los otros», señaló.
La crítica social y la emoción del trazo
Su obra también aborda la presión social, el aislamiento y la individualidad. Sus personajes —muchas veces atrapados o en tránsito por laberintos— intentan hacer algo con el tiempo que les toca vivir.
Sin embargo, su búsqueda estética del artista va más allá de la representación: apunta a generar una experiencia sensorial en quien observa. «No sé si la idea es que el observador vea el dibujo de un beso, sino que sienta ese beso. Podés ver un abrazo, pero si sentís su calor, mucho mejor. Esa es la idea de mi obra», concluyó.
«La épica de lo cotidiano» y «la ética de la forma»
—Solés definir al dibujo como una «trinchera». Desde el arte, en el contexto político y social actual, ¿qué implica «resistir»?
—Resistir tiene que ver con no doblegarse frente a crisis económicas, políticas y sociales; pero no alcanza con aguantar: también hay que producir acción y confrontar ideas. En la confrontación de imágenes y discursos cada artista imprime su impronta. El dibujo como trinchera es una forma de sostener una mirada humanista y comprometida cuando todo empuja hacia el cinismo o la indiferencia.
—En Luján, el año pasado, Héctor Destéfanis dijo: «El arte no tiene nada que ver con la tranquilidad, tiene que ver con ubicarnos donde no hay palabras». ¿Qué opinás?
—El arte muchas veces ubica donde las palabras no alcanzan. Esa función conecta con la producción de otros artistas que buscan decir lo indecible mediante la imagen. El lenguaje visual puede condensar tiempos, espacios e intensidades —como la metáfora en la literatura— y, si la sociedad no comprende ese lenguaje, queda expuesta a ser engañada por imágenes. Por eso es importante la formación del espectador y la seriedad del oficio.
—¿Por qué elegís las escalas que usás? ¿Tiene que ver con retratar a personajes« invisibles» o «anónimos» para la historia oficial?
—La jerarquía del tamaño es una forma de reparación simbólica: al hacerlos gigantes obligás al espectador a mirarlos desde abajo, a darles la importancia que la historia oficial les negó. Hay siempre una historia oficial y otra que la cuentan quienes no ganaron. Representar al hombre cotidiano en gran formato es reivindicar su presencia en el espacio público y en la memoria colectiva.
—¿Cómo influye el territorio —está Sudamérica convulsionada— en la fisonomía de los personajes que plasmás? ¿Qué pista das para ampliar la noción de «identidad» hoy?
—La identidad es tiempo y lugar. El paisaje condiciona: no es lo mismo el horizonte circular de La Pampa que la superposición de planos de una ciudad. Eso determina una música visual, una fisonomía y una manera de habitar el espacio. La identidad no es estática: es una construcción en conflicto, una mezcla de dolores y esperanzas que se va dibujando permanentemente. Para entenderla hay que atender a esos elementos plásticos —plano, espacio, yuxtaposición— que remiten al territorio y a la época.
—En ciertas oportunidades has hablado de «la épica de lo cotidiano» y «la ética de la forma». ¿Podrías desarrollarlo?
—Creo en la épica del hombre común: la persistencia cotidiana tiene heroicidad propia. La ética de la forma remite a una coherencia entre lo que representás y cómo lo hacés. La estética puede ser un campo de batalla para la ética: ser coherente con un discurso, sostenerlo en el tiempo, asumir un compromiso social incluso al dibujar algo aparentemente menor —un jarrón o una naturaleza muerta— demuestra que la estética puede vincularse con la responsabilidad ética del artista.
Al final del encuentro, las y los asistentes quedaron exultantes por la profundidad y la claridad de la clase magistral de Nizzero. El termómetro de lo que se vivió indicó las ganas de los presentes de llegar a sus casas… para dibujar.
